El mejor Tarantino
País: Estados Unidos
Año: 2007
Género: Acción, Terror
Duración: 114 minutos
Dirección: Quentin Tarantino
Producción: Quentin Tarantino, Elizabeth Avellán, Erica Steinberg, Robert Rodriguez
Guión: Quentin Tarantino
Editor: Sally Menke
Fotografía: Quentin Tarantino
Reparto: Kurt Russell, Zoë Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thoms, Mary Elizabeth Winstead, Rose McGowan, Marley Shelton, Marcy Harriell, Eli Roth

Sinopsis Death Proof:
Quentin Tarantino es de esos directores que se toman mínimo 3 años entre una película y otra, y al verlas, uno entiende por qué. Es que hay en cada una de ellas un trabajo exhaustivo y minucioso que no permite lugar a lo azaroso o trivial. Al igual que Kubrick, Tarantino hace obras maestras.

Death Proof, esta a mí gusto entre las 3 películas mejores de su carrera. Está concebida como una recreación de las viejas películas explotation Grindhouse de los 60’s, con el genial detalle que las montó de la misma forma que si la hubiese visto en el cine en aquella época de su infancia. Así, en varias partes se simulan errores de cambio de rollo, o cortes abruptos entre una escena y otra.

Como siempre en Tarantino tenemos diálogos geniales (que se sostienen en lo interesante de un tema ajeno a la trama principal, o lo dinámico de un duelo verbal) mezclados con escenas de acción absolutamente deslumbrantes, las escenas de persecución de autos están a la altura de las mejores de los 70’s como las de Contacto en Francia o Bullit. Es magnífico en esta película cómo se intercalan con la misma importancia los dos mundos en pugna, el de las amigas con sus conversaciones en torno a hombres, dinero, marihuana y autos, con el del solitario villano en las rutas desérticas. Y como maestro del género que es, no tiene pudor en cambiar las reglas de un vuelco y convertir a Kurt Russell de villano perseguidor, a patética víctima en una escena antológica que recuerda a las Faster Pussycats de Russ Meyer. Death Proof es el mejor Tarantino con máxima velocidad.

Nada más terrorífico que los miedos de la infancia
País: Estados Unidos
Año: 1990
Duración: 192 minutos
Género: Terror, Fantasía
Dirección: Tommy Lee Wallace
Producción: Mark Basino, Allen S. Epstein, Jim Green
Guión: Stephen King (novela), Lawrence Cohen, Tommy Lee Wallace
Música: Richard Bellis
Reparto: Tim Curry como “Pennywise”, Harry Anderson, Dennis Christopher, Richard Masur, Annette O’Toole, Tim Reid, John Ritter, Richard Thomas

Sinopsis de It:
Él siempre logra llegar, pasar la barrera que otros no, alcanzar el lugar donde más vulnerable nos sentimos, donde lo fantástico se mezcla con los miedos personales. Por eso Stephen King es maestro absoluto del género terror, ha sabido trasladarlo de los castillos y monstruos, al ámbito de lo cotidiano y humano.

Ya sea la atormentada niña Carrie White con sus miedos ante la desconocida pubertad, Jack Torrance con su pugna interna por no tocar una gota más de alcohol o, más adelante aún, con el adolescente ávido por conocer el fondo de los más atroces crímenes nazis aún sabiendo que puede transformarlo. Stephen King conoce el lado oscuro del alma humana y es allí a donde apunta.

Quizás sea la más terrorífica de todas sus adaptaciones, It (aclarando que no es película en realidad, sino miniserie de tv). ¿Quién no la vio de niño a pesar de las advertencias?. Desconfío de alguien que dice que no se asustó con ella. Es que, la infancia es inocencia y debilidad, los payasos son símbolos de armonía en la infancia, demonizar a un payaso es atacarnos en el lugar donde menos defensas tenemos, porque al igual que a los ya crecidos personajes de la película, esa imagen tan impactante insertada en nuestro inconsciente, nos sensibiliza inevitablemente. Pero lo terrorífico no termina allí, sino que también viene a pervertir el mundo de lo adulto al derribarlo inevitablemente con esos recuerdos del pasado. Los 7 personajes, ya con sus triunfos y vicios, dichas y desventuras en adultez, son enfrentados una vez más a aquella etapa en donde eran sólo un brote, para desenterrar sus propios miedos que creyeron ya sepultados. Acaso, volver a ver It, para quien desprevenidamente lo atormentó en su infancia, suponga el mismo ejercicio.

A veces, es mejor la muerte
País: Estados Unidos
Año: 1989
Género: Terror
Duración: 98 minutos
Dirección: Mary Lambert
Producción: Richard P. Rubinstein
Guión: Stephen King
Música: Elliot Goldenthal
Fotografía: Peter Stein
Montaje: Michael Hill, Daniel Hanley
Vestuario: M. Stewart
Reparto: Dale Midkiff, Fred Gwynne, Denise Crosby, Brad Greenquist

Sinopsis de Cementerio de animales:
Para la mayoría de las familias, mudarse significa un nuevo comienzo, pero para los Creed, es el principio del fin. Ellos se acaban de mudar junto a un lugar que los niños construyeron de sueños destruidos y que da nombre a la película: el Cementerio de animales. Es una pequeña parcela de tierra que esconde un misterioso cementerio indio con poderes de resurrección.

Clásico absoluto del cine de terror, es quizás la mejor adaptación de una obra del maestro Stephen King. Tiene de todo, buenas muertes, niños malditos, demencia absoluta, profanación de tumbas, The Ramones, suicidios, morbosidad, pero sobre todo, una buena historia y una temática seria y profunda, cosas que escasean en el cine de terror actual.

La muerte es arbitraria, imparcial, no entiende de méritos ni justicia. ¿Por qué se lleva a un ser angelical como el pequeño Gage y deja vivir en prolongada agonía a seres monstruosos como Zelma?. “La barrera no fue hecha para ser cruzada”, decía Victor Pascow, el “fantasma bueno” que advierte a Louis Creed sobre los peligros de que el hombre interfiera entre la vida y la muerte. O como también lo hacía el viejo Crandall, el amable vecino que conoce los secretos de la vida, pero que ya ha visto suficiente como para saber que a veces, es mejor la muerte.

País: Estados Unidos
Año: 1980
Género: Terror, Suspenso
Duración: 105 min
Dirección: Brian De Palma
Producción: Samuel Z. Arkoff, Fred C. Caruso, George Litto
Guión: Brian De Palma
Música: Pino Donaggio
Reparto: Michael Caine, Angie Dickinson, Nancy Allen, Keith Gordon, Dennis Franz, David Margulies, Ken Baker, Susanna Clemm, Bill Randolph, Fred Weber

La experiencia audiovisual en De Palma

¿Cuántas películas podemos ver hoy en día en que se narre una escena sólo con imágenes? De Palma es de esos directores que supieron entender a Hitchcock y, en su caso, ha redoblado la apuesta con películas como Vestida Para Matar.

Las imágenes ralentizadas, la música omnipresente y complementaria a la imagen, los encuadres preciosistas y complejos (hasta 3 situaciones diferentes dentro de un mismo plano) son los elementos que Brian De Palma utiliza para crear una película cuya trama de por sí es sólida y, con su toque magistral, logra llevar la experiencia del suspense hitchcockiano al deleite audiovisual.

Michael Caine en su esplendor como psicólogo/psicópata y una juvenil Nancy Allen como prostituta involucrada en un asesinato (curiosamente mismo papel que hace en Blow Out, otra película del director), hacen de Vestida Para Matar una película clásica en la cuál De Palma muestra todo su talento sin guardarse nada y con pleno protagonismo. Homenajes a Hitchcock, como siempre en él, de sobra, partiendo de la base que hay no sólo una, sino dos escenas de asesinato en una ducha.

Para resaltar, una escena que me pareció de los más paradigmática en el cine de imagen que De Palma propone, aquella en que la protagonista, Angie Dickinson, en un museo, tiene un juego de seducción con un hombre al cuál conoce allí sin hablarle, sólo con miradas cruzadas. Es una escena que no sólo se mantiene en su larga duración (no menos de 10 minutos) por el vértigo que significa un juego de seducción amoroso con un desconocido, sino por su modo de contarla; ni una sola palabra es pronunciada por parte de ambos, en todas las idas y vueltas en las que los personajes cambian de perseguidor a perseguido, todo es narrado por medio de imágenes, gestos, objetos, primeros planos, zooms, paneos, música, todo un gran recital en homenaje al cine. Después de todo, el cine, y así lo entiende De Palma, es imagen en movimiento.

Año: 2000
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos, Canadá
Género: Terror
Director: James Wong
Guión: Glen Morgan, James Wong, Jeffrey Reddick
Reparto: Devon Sawa, Ali Larter, Seann William Scott, Kerr Smith, Kristen Cloke, Daniel Roebuck, Chad Donella, Roger Guenveur Smith, Amanda Detmer, Tony Todd
Productora: New Line Cinema, Zide-Perry Productions, Hard Eight Pictures

Sinopsis:
Alex toma un avión junto a sus compañeros de clase para disfrutar de un viaje en Francia. Minutos antes de despegar, sueña con un terrible accidente que provoca la muerte de todos los ocupantes. Asustado, abandona el avión junto a una profesora y varios alumnos.

En efecto, su extraña premonición se cumple, pero aunque creen que han sido afortunados por librarse de la tragedia, tendrán que seguir luchando contra la muerte cruel que el destino les tenía preparada. Así, los protagonistas de “Destino Final” han de tratar de averiguar cuáles son los planes de la muerte e intentar adelantarse a ellos.

A la espera del estreno de “Destino Final 5”, merece la pena recordar cómo se inició esta saga. Aunque todas las secuelas repiten argumento con distintos personajes, no deja de ser interesante ver cómo intentan escapar, con todas sus fuerzas, de un destino inevitable que les persigue una y otra vez.
Las muertes que se producen pueden resultar demasiado rocambolescas, lo que, para algunos, puede restar credibilidad. Sin embargo, su potente argumento, con un enemigo inmaterial y aparentemente invencible, logra distinguirla del amplio espectro de películas de miedo para adolescentes y permite dirigirla a un público más amplio o incluso no interesado en el cine de terror.

Año: 1960
País: Estados Unidos
Género: Terror
Duración: 109 min.
Dirección: Alfred Hitchcock
Producción: Alfred Hitchcock
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, Virginia Gregg, Jeanette Nolan
Psicosis de Alfred Hitchcock es uno de esos clásicos que uno siempre les encuentra elementos atemporales dignos de mención. Pocas películas han sido tan comentadas y estudiadas en la historia como ésta, pues siendo emblemática del cine de género, precisamente del suspenso, ha sido objeto también de análisis más tendenciosos al cine moderno y de autor, los cuáles se hacen de la riqueza de elementos temáticos y formales presentes para poder dar con los más rebuscados y extensos pensamientos cinematográficos. Todos la usan siempre de ejemplo para lo que quieran decir.

En esta oportunidad, me parecía oportuno rescatar las raíces de la película, aquella idea embrionaria que originó esta obra maestra, pues es tan macabra y oscura que pocos parecen recordarla. Norman Bates es un psicópata basado en un personaje real que existió y se llamó Ed Gein. Éste es el asesino en serie quizás más famoso de todos los tiempos, vivió casi toda su vida adulta solo con su madre, a la cual veneraba como una deidad, y conservó su cadáver al igual que nuestro conocido Norman.

Es tan válido hablar en Psicosis del rompimiento del punto de vista principal, la fragmentación de planos en la clásica escena de la ducha para generar impacto, o el reiterado uso de su archi conocido leit motive musical como mencionar la temática de los asesinos en serie, más precisamente de los psicóticos con características de múltiple personalidad. Aún en estos tiempos donde el tema de los asesinos seriales está tan vigente en series televisivas y programas documentales, pocas miradas posteriores han sabido retratar con tal precisión la mentalidad de uno de estos seres humanos. Cuando ya está todo dicho y no parece haber más tela para cortar, es bueno retornar a la idea madre de vez en cuando, después de todo, “el mejor amigo de un muchacho es su madre”, afirmaba Norman.